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  • 170.00 lei

    French architecture is both diverse and specific. The diversity of its contexts and landscapes inspires a new generation of architects to optimistically invent an everyday architecture that is both in tune with real people and respectful of the environment. French Touch architects believe that it is necessary to take a stance and to talk about these buildings in a new way, both within and beyond our borders. This book showcases inventive French architecture, a vibrant creative force that reveals the diversity of architecture today, as it has never been shown before.

  • 352.00 lei

    The Belgian photographer Henk van Cauwenbergh (student of Peter Lindberg), well-known for his photography of beautiful women, shows us the emotions and thoughts of 100 women, captured in the early morning after waking up in front of his camera.

  • 1030.00 lei

    Voilà un ouvrage qui aura incontestablement fait date. Il y a vingt ans, les auteurs, Jean-Louis Paudrat, Lucien Stéphan, Françoise Stoullig-Marin, mobilisés autour de Jacques Kerchache, tentaient la synthèse qui manquait jusqu’alors sur l’art africain et qui était évidemment attendue dans la collection « L’Art et les grandes civilisations ». L’entreprise précédait toutes les publications globales ou partielles réalisées au cours des années 1990 autour d’expositions sur les arts africains. Avec l’ouverture du musée du quai Branly, une édition totalement remaniée et enrichie d’une centaine de pièces s’imposait. La plupart d’entre elles proviennent de ce nouveau musée, mais aussi de musées allemands, anglais ou américains. Donner à voir l’art africain dans son contexte artistique même, c’est le principe qui guide l’approche ici proposée. Les œuvres ne sont pas perçues de manière isolée mais confrontées les unes aux autres, ce qui permet d’appréhender par le jeu des oppositions et des similitudes, des redondances et des variations, l’univers dont elles émanent et ce qu’elles en représentent. Loin de la contemplation dévote ou de la curiosité purement ethnographique, ce livre offre une approche globale sur la sculpture africaine en abordant aussi bien les questions de style que celles des fonctions. Cet ouvrage, entièrement remis à jour et enrichi, restera sans rival et assurément encore une référence.

  • 1030.00 lei

    Les définitions de l’Europe centrale sont aussi nombreuses que leurs motivations : géographiques, géopolitiques, culturelles... La présente publication a opté pour un territoire embrassant le noyau historique de l’ancienne monarchie des Habsbourg, territoire qui témoigne d’une grande cohérence culturelle, fort complexe au demeurant. Vienne, Budapest (Buda), Prague, Cracovie ou bien Bratislava (Presbourg) sont les capitales culturelles le plus souvent citées en tant que foyers d’art pour une période allant du roman jusqu’au surréalisme avant la Seconde Guerre mondiale.
    Du point de vue de l’histoire de l’art, ce territoire s’avère à la fois le lieu de naissance d’expressions originales mais aussi le réceptacle d’inspirations extérieures. Afin de saisir, pour la première fois dans son ensemble, l’histoire millénaire de l’art né sur ce sol historique instable, il a fallu adopter une grande flexibilité et notamment aller au-delà de la notion traditionnelle d’« écoles nationales ». Les phénomènes culturels et artistiques les plus connus, tels le gothique à Prague 1400, l’art rodolphinien 1600 ou bien Vienne 1900 avec Gustav Klimt comme figure de proue, sont présentés dans leur singularité, mais en même temps enrichi de leur contexte centre-européen.
    Une grande attention est portée au contexte international et à la façon très différenciée de la réception des styles et des idées artistiques, comme par exemple celle de la Renaissance italienne ou du modèle de l’art français du XIXe siècle, sans parler des différents foyers de l’art allemand qui y forment un contexte géographique et culturel essentiel.

  • 1030.00 lei

    Etrangement, la collection "L'Art et les grandes civilisations" ne comportait aucun ouvrage consacré à la France : voilà donc, pour fêter la parution du 40è volume de cette série prestigieuse, un premier ouvrage entièrement dédié à cet art de France qui nous touche particulièrement. L’Art du Moyen Age en France se veut une histoire raisonnée de l’art à cette période. À elle seule, la France cristallise les grandes mutations artistiques du millénaire médiéval. L’architecture religieuse et civile bien sûr ; mais tout autant les objets mobiliers, les émaux, les ivoires, les enluminures, les peintures murales, les vitraux et les tapisseries, réalisés dans les matières les plus nobles et les couleurs les plus étincelantes représentent un patrimoine inestimable. Doté d’une extraordinaire faculté poétique à transcrire le surnaturel et à représenter l’immatériel, il nous apparaît dans sa globalité, foisonnant et presque insaisissable. La matière artistique médiévale est riche et ses ressources infinies. Les exemples, les approches et les éclairages fusent de toutes parts, à l’image des œuvres fertiles et grandioses que nous ont léguées les artistes du Moyen Âge. Leur génie a donné aux formes une vie d’éternité qui nous touche encore aujourd’hui. Les auteurs ont su recréer les conditions historiques qui ont permis la création au Moyen Age, et surtout livrer une synthèse passionnante, richement illustrée, sur 1000 ans d’art en France.

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    Au tournant de deux siècles, et à l'heure des bilans, se livre étudie l’art de la première moitié de ce siècle, de l'Exposition universelle de 1900 à la déclaration de guerre de 1939.
    C'est dans ces années 1900 que l'art occidental bascule : le symbolisme et l'Art nouveau s'effacent, Gauguin et Cézanne meurent, laissant la place à une nouvelle génération qui donne naissance au primitivisme, au fauvisme, au cubisme ou à l'abstraction. La Grande Guerre bouleverse ces données, signant la mort de l'homme et la mort de l'art. Au moment où le krach de 1929 met à bas l'économie mondiale, apparaît la modernité, entre nostalgie et utopie. À travers une forte internationalisation, les avant-gardes se développent jusqu'à l'abîme de 1939, sous l'œil des totalitarismes naissants.
    La conception originale de ce livre rend compte des bouillonnements artistiques de notre siècle, dans toute leur diversité. Après une lecture trop strictement moderniste dans les années 70, les chercheurs ont désormais une vue plus large et plus ouverte sur la création, en dehors des modes et des courants : les avant-gardes sont réévaluées et des mouvements essentiels reprennent leur place au sein de l'histoire de l'art. Selon un déroulement chronologique, chaque auteur traite d'une période, dont tous les arts sont étudiés de front. Ainsi, leurs textes donnent de manière claire tous les éléments que l'amateur se doit de connaître sur la naissance de l'art contemporain.

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    Depuis quelque quarante ans, l’art contemporain a succédé à l’art moderne qui avait bouleversé le début du XXe siècle (cubisme, futurisme, surréalisme…). Depuis les années 60, l’art n’a plus cessé d’être contemporain. Les années 80 ont vu surgir nombre de musées voués à cet art vivant. Rien d’étonnant qu’il mérite lui aussi une histoire… Aujourd’hui, en 2005, il est devenu possible de montrer les lignes de forces de mouvements et de personnalités artistiques passionnants, peut-être déroutants, mais indispensables à connaître pour aborder le XXIe siècle. Pour donner corps à ces ambitions, Daniel Soutif (philosophe et historien d’art, ancien collaborateur du Centre Georges Pompidou, directeur du musée d’art contemporain de Prato) a réuni des auteurs choisis autant pour leurs points de vue originaux que pour leurs compétences. Ensemble, ils ont tenu à mettre en avant deux ou trois éléments simples :
    • construire quelques repères qui permettent à chacun d’affronter l’écheveau touffus d’œuvres, d’individualités, de groupes, dont nombre sont encore vivants. Le plan est articulé par les charnières offertes en 1964 par la Biennale de Venise et en 1982 par la Documenta VII de Kassel, distinguant trois parties : la première qu’il a choisi de nommer de façon ambiguë Les fins de l’art moderne. La deuxième est celle, justement, de L’avènement de l’art contemporain. La dernière close par la Documenta XI de 2002, serait celle d’un art touche à tout et touché par tout, sous le signe des Mimétismes et de la Mondialisation.
    • marier l’histoire et la critique sans négliger les faits saillants, en sachant qu’aucune histoire de l’art ne saurait échapper à la responsabilité du jugement de goût, lequel n’est pas tant affaire de subjectivité que de comparaison. Histoire des œuvres et de leur position dans les réseaux complexes de la comparaison, histoires des mouvements ou des interactions plutôt qu’histoire des individus, sans rien retirer cependant aux hautes figures qui, en ce demi-siècle comme en d’autres, dominent le paysage et contribuent à en orienter les lectures.
    • ouvrir le livre avec précision et détail aux activités limitrophes de l’histoire de l’art « traditionnelle », à savoir l’architecture, le design, la performance, la vidéo ou le graphisme : ils sont indispensables pour comprendre l’art contemporain. Cet ouvrage est une étape quelque peu révolutionnaire dans la vie de Citadelles & Mazenod ! Aussi, la maquette du livre a-t-elle été rajeunie et se veut dynamique donnant toute leur place aux œuvres. Au fil des pages, le lecteur retrouvera tous les grands noms de l’art contemporain, et tous les foyers de la création artistique.

  • 1030.00 lei

    La première édition de cet ouvrage remonte à 1983. Pour l’actualiser, Alain Erlande-Brandenburg a voulu une réécriture complète de son texte, prenant en compte les nombreuses études qui ont bouleversé la vision de la période gothique dans l’histoire de l’art. Ce choix impliquait de revoir et d’augmenter également l’iconographie du livre afin de lui donner un éclat et une unité que la technique ne permettait pas lors de la première édition. Comme dans les récents volumes de la collection, toutes les illustrations de la partie principale du livre sont en couleurs.
    L’univers gothique ne peut plus aujourd’hui se définir par la voûte d’ogive, comme une évolution formelle de l’art roman ou comme une opposition avec la Renaissance. La réalité est plus complexe : ses balbutiements sont contemporains des chefs-d’œuvre romans, ses derniers feux de l’essor renaissant, la coexistence couvrant plus d’un siècle. L’auteur adopte ici l’attitude des historiens des civilisations sans écrit pour comprendre à travers l’image le sens profond du message. Cette démarche est d’autant plus justifiée que la création gothique est l’expression la plus aboutie de la puissance de l’image : jamais elle n’a été aussi présente pour exprimer la foi, pour donner du plaisir à l’œil. L’art gothique forme un tout, animé par le mouvement permanent de la pensée, de la vie, des êtres humains, et ne peut s’analyser par l’une de ses composantes seule : sculpture, peinture ou objet précieux. Il n’est pas statique, mais traversé de découvertes fulgurantes et d’échappées qui l’enrichissent. Giotto, l’un des plus grands créateurs de l’histoire de l’homme, est un « gothique » mais, comme Picasso, son génie fait éclater les cadres de son temps.
    Cet ouvrage propose donc un panorama du monde gothique selon une nouvelle articulation. Il met en évidence ses moments clés – le style 1200, l’art rayonnant, le style flamboyant – en abordant chacun par technique et en soulignant la diversité au sein des régions. La clarté d’exposition s’ajoute à un autre avantage : la mise en valeur de contrastes violents dans une même période. Ainsi, derrière ce tableau se perçoit la réalité humaine, celle des êtres qui ont participé à la grande aventure de la création.

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    L'Occident a longtemps vécu sur une image de la Grèce antique faussée par l'humanisme renaissant qui, projetant sur un passé lointain ses propres idéaux, en déformait le sens ou en limitait la portée. Depuis un siècle, archéologues, historiens et philosophes ont fait éclater cette notion d\\'une civilisation où tout aurait été régi par la perfection et le classicisme. Remontant aux sources crétoises, mycéniennes, doriennes, ils ont démontré que, sans elles, le miracle grec n'aurait pas existé. Et donné à cette histoire une ampleur autre en la faisant courir du monde cycladique au monde hellénistique.
    Pour retrouver l'art grec dans toute sa plénitude, il fallait cesser de le voir à travers l'écran déformant des copies romaines, ce qui fut le cas jusqu'à la fin du XIXe siècle. Comme a été nécessaire toute une série de découvertes retentissantes, des fouilles de Schliemann en 1870 aux récentes trouvailles de Riace ou Derveni, qui permirent de retrouver les œuvres majeures sans lesquelles l'art grec demeurait incompréhensible ou mutilé.
    Des idoles cycladiques à la Vénus de Milo, de l'art géométrique aux formes visant à l'universel par leur conformité à un idéal où “l'homme est la mesure de toutes choses”, des dieux aux philosophes, de la politique à l'histoire, toute la grande aventure grecque revit dans cet ouvrage qui renouvelle l'approche et la vision de l'art grec.

  • 1030.00 lei

    L’exploration des îles du Pacifique a été une aventure exceptionnelle entreprise par les grands voyageurs dès le XVIe siècle. Wallis, Cook, La Pérouse, Bougainville et Dumont d'Urville sont parmi les plus connus de ceux qui ont bravé ces mers inconnues, et découvert ce qu'ils pensaient être le paradis : la Polynésie, la Micronésie et la Mélanésie. L’Océanie recouvre des milliers d'îles, grandes ou petites, comme l'immense Nouvelle-Guinée mais aussi de simples atolls coralliens. Les indigènes y développèrent des cultures complexes et d'une grande variété. Dans la plupart d'entre elles, la place de l'art est fondamentale en tant qu'intégration à la vie religieuse et/ou sociale. Ces arts incluent non seulement l'architecture, la peinture et la sculpture, mais aussi la musique, la danse, la prière, et l'ornement du corps. Presque tous les matériaux disponibles sont utilisés, qu'ils soient durables ou éphémères. Pour de nombreuses raisons, principalement historiques, l'art du Pacifique a été relativement négligé. Si un grand nombre de publications spécialisées, techniques ou anthropologiques existent, aucune synthèse d'ampleur n'avait été publiée depuis trente ans, en dépit des nombreuses découvertes importantes.
    Présenter au grand public l'art océanien à partir des recherches et des théories contemporaines sur cet ensemble complexe de sociétés et de culture, c'est ce qu'accomplit cet ouvrage à travers des textes de grande qualité et une iconographie qui réunit les chefs-d'œuvre les plus connus et 30% d'œuvres inédites.

  • L'Islam et l'art musulman
    La comanda in aproximativ 4 saptamani
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    A travers trois continents et une soixantaine de pays, environ vingt pour cent de la population du globe pratique la religion musulmane. Aujourd’hui, celle-ci est présente quotidiennement dans notre vie, notamment à travers une actualité parfois violente, que nous ne savons le plus souvent ni lire ni comprendre. On sait d’autre part le rôle considérable joué par quelques pays musulmans du Proche-Orient dans l’économie internationale. Ce livre exceptionnel est sans doute l’une des meilleures clefs pour comprendre. Paru en 1976, écrit par un philosophe réputé, d’origine russe, Alexandre Papadopoulo, ce livre avait été salué dès sa parution comme essentiel. Notamment en raison de son parti pris, lisible dès le titre : ce n’est pas L’art musulman, mais L’Islam et l’art musulman ; ainsi, d’entrée de jeu, Alexandre Papadopoulo indiquait que cet art n’existe que par la religion qui le sous-tend. D’autant que l’Islam - soumission à la volonté de Dieu - est aussi une loi qui règle le comportement de chacun dans tous les domaines, social, religieux et politique. Dernière en date des trois grandes religions monothéistes, l’Islam, dès son apparition au VIIe siècle, s’est répandu comme une traînée de poudre du bassin méditerranéen au cœur de l’Asie. La conquête par les tribus arabes de la moitié du monde connu engendra rapidement l’une des plus grandes civilisations de l’histoire humaine, en avance de plusieurs siècles sur l’Occident, et donna naissance à un art d’une prodigieuse beauté qui, du VIIIe au XVIIe siècle, n’a cessé de s’épanouir à travers une immense aire géographique et une série d’œuvres d’une inestimable valeur. Ce livre est l’extraordinaire histoire d’une civilisation et d’un art dispersé à travers l’Europe, l’Afrique et l’Asie, et qu’aucun ouvrage n’avait encore embrassé dans sa totalité. Mosquées, palais, peintures, miniatures, objets religieux et objets d’art décoratif se révèlent au fil des pages et des illustrations de cette nouvelle édition, enrichie de nouvelles photographie, avec une qualité technique encore supérieure.

  • 1030.00 lei

    Premier volume de la collection L’art et les grandes civilisations, créée en 1965 par Lucien Mazenod, ce livre est capital à plus d’un titre. La fascination qu’a exercée André Leroi-Gourhan sur le milieu préhistorique international tient pour beaucoup à l’amplitude de sa pensée. À travers une méthodologie rigoureuse, il mêle biologie, paléontologie, archéologie, technologie, philologie, ethnologie, étude des religions ou esthétique, résistant ainsi à toutes les “étiquettes” réductrices. Ainsi que l’écrit Yves Coppens, professeur au Collège de France, dans la magistrale préface qu’il a écrite pour cette nouvelle édition :
    “Nous voici au cœur de l’immense œuvre de recherche élaborée grâce à une belle complicité entre auteur et éditeur, Lucien Mazenod lui-même ayant sollicité cet ouvrage. C’est un travail de relevés systématiques sur le terrain, d’analyses en laboratoires, de classements, d’interprétation qui, au terme d’un raisonnement d’une belle élégance, débouche sur une vision toute neuve de l’art que l’on appelle de manière joliment désuète “des cavernes”. [...] Ce monument est entré depuis maintenant près de trois décennies dans l’histoire de l’histoire de l’homme.”

  • L'Art nouveau
    La comanda in aproximativ 4 saptamani
    1030.00 lei

    L’art nouveau répond à des termes et des réalités multiples. « Art nouveau » en France, « nieuwe Kunst » aux Pays-Bas et en Belgique, « Jugendstil », « Secession » en Europe centrale, « Modernismo » à Barcelone et son équivalent à Moscou, « Modern style » font référence au projet de changement ; « art floral » et « arte floreale », à certains des motifs qui l’ont inspiré ; « style Guimard » ou « Liberty », à quelques unes des personnalités qui l’ont marqué ; « style coup de fouet » ou « Peitschenhieb », « style nouille » aux émois agressifs qu’il a suscités ; « style 1900 », au millésime qui, avec l’Exposition universelle présentée à Paris la même année, a symbolisé un moment d’apogée qui se confond, à tort ou raison, avec la « Belle époque ». Pour se cantonner à cette liste en dépit de son caractère incomplet, il faut observer que chacune des qualifications proposées soulève un problème : l’Art nouveau caractérise-t-il la Belle époque ? privilégie-t-il les lignes végétales et courbes ? désigne-t-il un « style » ? Force est de reconnaître, quel que soit le pays dans lequel il s’est illustré, qu’il n’a pas obtenu un consensus suffisamment large pour l’identifier à une société tout entière ; que la tendance à l’abstraction et à la géométrie des perpendiculaires l’ont autant absorbé que le floral et la courbe ; et qu’en définitive, les formes, les motifs et les couleurs qu’il a exprimés offrent une diversité multiple, sinon contradictoire. On retrouve, alors, le point de rassemblement de cet art aux aspects et aux dates si variés selon le pays, qui a duré de 1870 environ à 1914 environ. Les plus grands artistes de Lalique à Gallé, de Daum à Tiffany, de Horta à Guimard ou de Van de Velde à Gaudi sont les pivots de cette synthèse remarquable sur un moment incontournable de l’art moderne..

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